Mercurey L’or Rouge – Pierre Alechinsky

Jean-Pierre Pincemin

Jean-Pierre Pincemin, né le 7 avril 1944 à Paris et meurt le 17 mai 2005 (à 61 ans) à Arcueil (Val-de-Marne), est un peintre, graveur et sculpteur français.

Sa formation initiale l’amène à travailler comme tourneur dans l’industrie mécanique de précision. Il découvre la peinture par ses visites fréquentes au musée du Louvre et décide de devenir critique d’art au milieu des années 1960.

Le galeriste Jean Fournier, qui avait une maison près de celle de ses parents, l’encourage à faire de la peinture. Pincemin réalise alors ses premières sculptures et peintures. Entre 1962 et 1966, il multiplie les recherches, de l’abstraction lyrique à l’action painting.

En 1969, il organise avec Marcel Alocco et Claude Viallat une exposition « La peinture en question » à l’École spéciale d’architecture à Paris. Outre Marcel Alocco et Pincemin, Daniel Dezeuze, Noël Dolla, Bernard Pagès, Patrick Saytour et Claude Viallat participent à cette exposition, première expression du mouvement Supports/Surfaces dont Pincemin rejoint le groupe formel en 1971.

Jean-Pierre Pincemin expérimente l’utilisation de matériaux les plus divers : planches, tôles, grillages carrés de toile trempés dans la peinture (série des « Palissades » et des « Portails »).

En 1986, par différentes influences, il modifiera sa manière de peindre et sa conception de l’espace. Il réalise alors des sculptures polychromes à l’aide de morceaux de bois.

En 1995, à Liège, il figure la création du monde sur un plafond de 200 m2 à l’hospice du Balloir, en respectant à la lettre le récit biblique. On lui doit également le plafond du théâtre de Villeneuve-sur-Yonne.

Pierre Alechinsky

Pierre Alechinsky est né le 19 octobre1927 à Schaerbeek (Bruxelles), peintre et graveur belge. Gaucher contrarié , Alechinsky utilise la main droite pour écrire et la main gauche pour dessiner et peindre.

De 1944 à 1948, il étudie l’illustration du livre, la typographie, les techniques de l’imprimerie et la photographie à l’École nationale Supérieure d’Architecture et des Arts Visuels de La Cambre à Bruxelles.

Il commence à peindre en 1947 et fait alors partie du groupe Jeune Peinture belge, qui réunit notamment Louis Van Lint, Jan Cox, et Marc Mendelson. La même année a lieu sa première exposition de peintures au sein de la galerie Lou Cosyn de Bruxelles. Pierre Alechinsky devient très rapidement l’un des acteurs majeurs du monde artistique belge de l’après-guerre.

Pierre Alechinsky rencontre le poète Christian Dotremont, l’un des fondateurs du groupe Cobra, et adhère en 1949 à ce mouvement d’avant-garde artistique, rejoignant Karel Appel, Constant, Jan Nieuwenhuys et Asger Johns. Parmi les nombreuses gravures réalisées avec l’artiste, Piero Crommelynck donna en 2001 une seconde vie aux neufs planches de la série « Les métiers » produites en 1948, et qui n’avaient pas eu la chance de passer dans des mains aussi expertes.

En 1965, il crée son œuvre la plus célèbre “Central Park”, avec laquelle il inaugure la peinture « à remarques marginales ». En 1978 se déroule la présentation au Cabinet d’art graphique du Musée national d’art moderne au Centre Pompidou de ses deux donations successives de dessins. L’artiste entre à la Galerie Maeght de Paris.

Pierre Alechinsky est professeur de peinture à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris de 1983 à 1987. En 1984, il est lauréat du Grand Prix National des Arts et Lettres de Paris. En avril 2006, il est fait chevalier de la Légion d’honneur en France.

De décembre 2007 à mars 2008, à l’occasion des 80 ans d’Alechinsky, les Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique de Bruxelles lui rendent hommage à travers une exposition rétrospective de l’ensemble de la carrière de l’artiste.

Claude Viallat

Claude Viallat est né à Nîmes en 1936. Il a étudié à l’École des Beaux-Arts de Montpellier de 1955 à 1959, puis à l’École des Beaux-Arts de Paris en 1962-63, dans l’atelier de Raymond Legueult.

En 1966, Claude Viallat adopte un procédé à base d’empreintes, qui l’inscrit dans une critique radicale de l’abstraction lyrique et géométrique (dans la technique dite All-over). Une forme neutre, ni naturelle ni géométrique, est ré pé té e sur une toile libre, sans châssis, déterminant la composition de l’œuvre.

En 1969, il est un des membres fondateurs du groupe Supports/Surfaces. Il en poursuit sans relâche l’expérimentation constitutive. Son travail, “terme” que ce groupe oppose à “Art” ou à “création artistique”, est fondé sur la répétition d’une forme simple. L’Art de Claude Viallat se caractérise par la somptuosité de la couleur qui l’impose comme l’un des très grand coloriste de notre temps. La collaboration de Claude Viallat avec Piero Crommelynck donna une série d’aquatintes reprenant ce principe de répétition.

Dans ses œuvres récentes, Claude Viallat est revenu à des surfaces planes rectangulaires ou carrées, privilégiant un déchaînement ; des éléments constitutifs internes, mettant toujours plus l’accent sur les rapports de densité, d’intensité, de brillance entre les surfaces colorées. Outre le succès grandissant de ses expositions tant en France qu’à l’étranger, il se consacre à son travail d’enseignant dans les écoles d’art. Désormais à la retraite, il continue ses recherches exploratoires.

Exposant régulièrement à la galerie Jean Fournier à Paris depuis 1968, il est à l’heure actuelle représenté à Paris par la galerie Daniel Templon (depuis 1998), et dans d’autres villes françaises. Claude Viallat est aussi représenté à l’étranger, au Japon par Gallery Itsutsuji et à New-York par Leo Castelli Gallery et Chem & Read Gallery.

Claude Viallat a reçu en 2007 le prix de peinture de la Fondation Simon et Cino del Duca – Institut de France.

Il a été nommé chevalier de la Légion d’Honneur par décret du 22 avril 2011 (parution Journal Officiel du 24 avril 2011).

Les toiles de Claude Viallat sont structurées par un motif unique employé dans beaucoup de ses peintures. C’est sa marque d’identité, sa signature.

Georges Braque

Georges Braque, né à Argenteuil le 13 mai 1882 et meurt à Paris le 31 août 1963, est un peintre, sculpteur et graveur français.

D’abord engagé dans le sillage des Fauves, influencé par Henri Matisse, André Derain et Othon Friesz, il aboutit, à l’été 1906 aux paysages de l’Estaque avec des maisons en forme de cubes que Matisse qualifie de cubistes, particulièrement typées dans le tableau Maisons à l’Estaque.

C’est en étudiant méthodiquement dès 1906 les lignes de contour de Paul Cézanne, que Braque a abouti progressivement à des compositions qui utilisent de légères interruptions dans les lignes, comme dans Nature morte aux pichets. Il utilise alors des formes géométriques principalement pour des natures mortes, introduit les lettres au pochoir dans ses tableaux, invente des papiers collés. En véritable « penseur » du cubisme, il élabore des lois de la perspective et de la couleur. Il invente aussi les sculptures en papier en 1912, toutes disparues.
Mobilisé pour la Grande Guerre où il est grièvement blessé, le peintre abandonne les formes géométriques pour des natures mortes où les objets sont dans des plans recomposés.

Pendant la période suivante qui va jusqu’aux années 1930, il produit des paysages, des figures humaines, et malgré la diversité des sujets, son œuvre est « d’une remarquable cohérence. Braque à la fois précurseur et dépositaire de la tradition classique est le peintre français par excellence. »

Il a aussi créé des sculptures, des vitraux, des dessins de bijoux, mais à partir de 1959, atteint d’un cancer, il ralentit son rythme de travail. Deux ans avant sa mort, en 1961, une rétrospective de ses œuvres, intitulée « L’Atelier de Braque » a lieu au musée du Louvre, Braque devient ainsi le premier peintre à être exposé dans ce lieu de son vivant.

Homme discret, peu porté sur les relations publiques, Braque était un intellectuel féru de musique et de poésie, ami notamment d’Erik Satie, de René Char, de Alberto Giacometti. Il s’est éteint le 31 août 1963 à Paris. Des obsèques nationales ont été organisées en son honneur, au cours desquelles André Malraux a prononcé un discours.

Pablo Picasso

Pablo Ruiz Picasso, né à Malaga, Espagne, le 25 octobre 1881 et mort le 8 avril 1973 (à 91 ans) à Mougins, France, est un peintre, dessinateur et sculpteur espagnol ayant passé l’essentiel de sa vie en France.

Artiste utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque et un compagnon d’art du surréalisme. Il est l’un des plus importants artistes du XXème siècle, tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques. Il a produit près de 50 000 œuvres dont 1 885 tableaux, 1 228 sculptures, 2 880 céramiques, 7 089 dessins, 342 tapisseries, 150 carnets de croquis et 30 000 estampes (gravures, lithographies, etc.).

Picasso a ainsi commencé la peinture dès son plus jeune âge et réalise ses premiers tableaux dès huit ans. En 1896, il entre à l’école des Beaux-Arts de Barcelone. Signant d’abord du nom de son père, Ruiz Blanco, il choisit finalement d’utiliser le nom de sa mère, Picasso, à partir de 1901.

La période bleue correspond aux années 1901-1903. Elle tire son nom du fait que le bleu est la teinte dominante de ses toiles à cette époque, qui a débuté avec le suicide de son ami Carlos Casagemas ce qui explique qu’elle soit marquée par les thèmes de la mort, de la vieillesse et de la pauvreté. À partir de 1904, c’est le début de la période rose. Comme précédemment, c’est l’utilisation des teintes rosées dominantes qui explique cette dénomination. Les thèmes abordés restent mélancoliques et dominés par les sentiments; on y trouve aussi de nombreuses références au monde du cirque. Picasso privilégia pendant cette période le travail sur le trait, le dessin, plutôt que sur la couleur.

Picasso revient ensuite pendant quelques années au figuratif, avec notamment des portraits familiaux. Dans les années 1920, il se rapproche du mouvement surréaliste. Les corps représentés sont difformes, disloqués, monstrueux. À la suite du bombardement à Guernica pendant la guerre civile espagnole, en 1937, Picasso réalise l’une de ses œuvres les plus célèbres, appelée aussi Guernica. Elle symbolise toute l’horreur de la guerre et la colère ressentie par Picasso à la mort de nombreuses victimes innocentes.

Mercurey L’or Rouge – Pierre Alechinsky

Millésime

Cépage

Sol

Localisation

Millésime

Vinification

Dégustation

Mercurey L’or Rouge – Pierre Alechinsky

Millésime

Cépage

Sol

Localisation

Millésime

Vinification

Dégustation

NOUS CONTACTER

Nous suivre

LIENS IMPORTANTS

LOUIS Père et FILS